Coșul tău este gol
Întotdeauna va exista o mulțime de dezbateri despre cea mai bună epocă pentru cinema. Pentru cei doi cenți ai mei, voi spune cu mare încredere că cea mai bună perioadă din istoria cinematografiei au fost anii 70.
Cu siguranță a existat o tranziție în acest deceniu care a văzut continuând cinematograful de la sfârșitul anilor 60, până la nașterea blockbuster-ului așa cum îl cunoaștem astăzi.
Aproape că am putea împărți anii 70 în două categorii, deși voi aminti și subcategorii precum perioada Blaxploitation. Pe de o parte, regizorii începeau să se îndepărteze cât mai mult posibil de codul tradițional de producție de la Hollywood.
Găsiți cei mai buni pin-up-uri din anii 50 și 60 !
Au fost depășite granițele și optimismul a fost înlocuit cu o muncă profund pesimistă. Nu totul a avut un final fericit. Lucrurile se întunecau, reflectând o perioadă dificilă din istoria socială, pe măsură ce treceam de la epoca drepturilor civile la cea a lui Nixon, Vietnam și lupta economică din Occident. În cele din urmă, lucrurile s-ar muta de la tensiunile din Orientul Îndepărtat la tensiunile cu Rusia.
Ultimul război mondial a fost încă relativ recent, iar conflictele violente de la sfârșitul anilor 1960 și sentimentul de neliniște care a însoțit aceste conflicte au făcut din această perioadă o perioadă îngrijorătoare și tulburătoare în istoria socială. Ca în toate lucrurile, acest lucru se reflectă în cinema.
Acest lucru poate funcționa uneori în mai multe moduri. Există fie o înclinație spre cinematograful care reflectă social, fie mai mult spre cinematografia evadată și spre sfârșitul anilor 70 am văzut trecerea de la primul la cel din urmă.
La începutul anilor 1970, aceste filme mai curajoase și un nou val de regizori proaspeți și revigorant, precum Francis Ford Coppola și Martin Scorsese , de exemplu, au oferit o selecție adesea austeră, dar elegantă de filme.
La fel, un grup de actori (și actrițe) excepțional de promițători precum Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Meryl Streep și Harvey Keitel ar începe să conducă în locul celor mai atipice vedete de la Hollywood. Mucegaiul Cary Grant etc. Ei vor continua să creeze o cale pe care cineva ca Marlon Brando începuse să o croiască.
Abordarea metodologică va deveni mult mai comună în această eră și va stabili cu fermitate o abordare îndrăzneață și îndrăzneață pe care să o adopte viitorii jucători. În mod similar, în comedie, bufniile fizice ale lui Jerry Lewis au fost înlocuite cu gândurile nevrotice ale regizorilor precum Woody Allen și Albert Brooks . Ceea ce știm mai recent ca mumblecore, se bazează în mare parte pe lucrările lui Allen etc.
Fără a intra în prea multe detalii despre modul în care au funcționat aceste filme, pentru că fiecare film pe care l-aș putea numi merită de la sine o carte de teoretizare, este de la sine înțeles că cantitatea de cinema clasic care a ieșit din acest deceniu este uluitoare.
Da, ar fi mult prea ușor să arăți cu degetul către doi nași și să-i numim culmea cinematografiei. Ele sunt, fără îndoială, capodopere. Știm de ce. Așa că le voi evita. Reputația lor îi precede.
Rămânând cu Coppola, voi vorbi puțin despre un exemplu clasic de film care întruchipează perfect abordarea cinematografiei din anii 70. A fost oportun, provocator și întunecat. A fost și un exemplu de unul dintre cele mai din păcate plasate filme pe CV-ul unui regizor din istorie.
Acest film nu ar putea fi mai prost plasat decât a fost, deoarece amplasarea în sine a văzut filmul absorbit într-o gaură neagră. A fost total umbrită de ceea ce l-a precedat și a urmat.
Acesta este The Conversation, filmul minimalist, simplu, dezbrăcat, care a fost cuprins între primele două filme grandioase ale lui Coppola, Nașul. În sine, Conversația este un film genial. Este o capodopera. Captivant, inteligent, scris excepțional și într-un mod ciudat pare o gândire ulterioară. Se pare că umple timpul.
Umple golul dintre epopeele gangsterilor. De la fiecare decor costisitor și elaborat, de la punerea în scenă și montajul Nașului, până la încadrarea și liniștea frumos și simplă din The Conversation.
Acest film merită să fie în top 100. Bine, poate că nu are designul iconic al excepționalului duo de gangsteri ai lui Coppola (nu vom menționa partea a treia), dar Gene Hackman oferă una dintre cele mai introspective și eficiente performanțe ale sale, în un film cu un design sonor rafinat și o reprezentare palpitantă a unei căderi nervoase din cauza paranoiei.
Nu pot să stresez suficient pe cei care au ratat-o, dar cu siguranță trebuie să vizionați The Conversation.
Coppola va încheia deceniul cu o epopee de război extinsă care, stilistic, este antiteza abordării directe pe care a folosit-o în Hackman menționat mai sus
Apocalypse Now a fost o încercare sinuoasă de făcut. Aproape că i-a costat viața lui Martin Sheen. Coppola a adoptat o abordare perfecționistă în acest sens. Fiecare imagine a fiecărei scene este artă. Este un film uimitor, cu imagini uimitoare, care joacă frumos cu groaza sumbră a ceea ce descrie de fapt.
Totul, de la decorurile vaste, uluitoare din punct de vedere vizual, până la intimitatea spectacolului straniu, dar intens captivant al lui Marlon Brando, este o operă de geniu care definește genul.
Dacă există un lucru care întruchipează perfect standardul anilor 70 în comparație cu restul, acesta este CV-ul lui Coppola. A făcut o muncă grozavă de-a lungul anilor 80 (iubesc Rumble Fish), dar nimic ca saga Corleone, epicul său Nam sau chiar The Conversation.
Scorsese s-a imbarcat pe Mean Streets, un film cu gangsteri crud și elegant, care a arătat o descriere mult mai puțin romantizată și modernă (la acea vreme) a străzilor... ei bine... răutăcioase.
Anii 1970 au fost o perioadă a Scorsese crud și experimental. Se apropia momentul cel mare și, într-o oarecare măsură, acea vivacitate nervoasă, creativă, pe care a atins apogeul la sfârșitul deceniului cu Raging Bull.
Până la începutul anilor ’80, el și-a perfecționat meșteșugul și în zece ani va regiza o capodopera în Goodfellas . Cu toate acestea, unul dintre filmele sale cele mai elegante și introspective este Taxi Driver .
Este un regizor în plină ascensiune, plin de idei noi, îndrăzneț și instinct. De Niro a fost fascinant. Aproape 90% din ceea ce îi face performanța atât de captivantă este intern. Travis Bickle atrage publicul, cerându-ne atenția și interpretarea.
Filmul nu seamănă cu tot ce a făcut Scorsese de atunci. În cele din urmă, a fost și la timp. A fost un film atipic al anilor 1970, iar reprezentările romantice ale New York-ului au dispărut în mare măsură, înlocuite cu filme precum Taxi Driver. Vezi și LA, Chicago și San Francisco. Realizatorii filmului au arătat acum ce s-a întâmplat în culise.
Chiar și într-un film de epocă, totul era foarte modern. Chinatown, de exemplu, a jucat ca un bătrân negru, dar totul despre el a picurat (genial) în pesimismul anilor 1970.
Această epocă nu a fost doar despre erupții și păr mare, departe de asta, și cu siguranță nu din punct de vedere cinematografic. Jack Nicholson se impunea ferm în noul val, în timp ce, ca regizor, Roman Polanski începea să-și facă un nume în afara Europei (și înainte să-și facă un nume pentru ceva de fapt mai puțin gustos).
Filmul, care este un exemplu la fel de bun de scenariu (Robert Towne) după cum puteți vedea, este incontestabil sinistru și nu se sfiește de nimic din ceea ce descrie, fie că este vorba despre corupție corporativă sau poliție sau viol incestuos.
Pe măsură ce cuvintele finale nemuritoare, „ Este Chinatown ”, sunt rostite după unul dintre cele mai întunecate și emoționante finaluri ale cinematografiei, spectatorul este rupt, dar strânsoarea, acea stare captivantă și pasională de vizionare, este eliberată. Chinatown, ca multe cinematografe din acea epocă, rămâne cu tine.
Puteți viziona o întreagă gamă de filme dificile, întunecate și puternice din epocă, de la buget mare la buget redus. The French Connection, Marathon Man , Badlands magnific de crud și visceral.
La fel, când vezi un film precum All The Presidents Men , arată că realizatorii de film nu se tem de povestea imediată. S-au ocupat de aici și acum, nu lăsând rănile să se vindece mai întâi.
Așa că există un grup de vedete în devenire și regizori care sunt pionieri în stiluri noi și revigorante. Dar între timp, vedetele și regizorii consacrați încă lucrau.
Brando , care a rescris regulile jocului în anii 1950, încă producea spectacole emblematice pentru Coppola. Sidney Lumet , un regizor care a inspirat mulți regizori emergenti ai anilor ’70 (inclusiv FFC și Scorsese), încă producea unele dintre cele mai bune lucrări ale sale, precum Dog Day Afternoon și Serpico (care nu au făcut valuri în reprezentările lor despre tulburările sociale și corupția instituțională).
Această epocă a fost și o perioadă cheie a cinematografiei de exploatare. Regizori precum Michael Winner (Death Wish) și Abel Ferrara intră în arenă. Cinematograful lor a fost neglijent, puțin neplăcut, dar ciudat de perspicace.
Printre detriturile Death Wish se numără și câteva comentarii sociale grăitoare. Nu vorbește doar despre contextul orașului american, ci și despre societatea occidentală în ansamblu la acea vreme. Acesta este un film care ar putea fi la fel de ușor filmat și plasat la Londra.
Într-adevăr, dacă te uiți la lumea întunecată și tulburătoare a lui Get Carter (Mike Hodges), britanicii păreau cu siguranță să vrea să se îndepărteze de reprezentările romantice ale vieții orașului. Dacă figuri precum Coppola au sfâșiat tradiționalismul, cum ar fi forme rigide de filmare, iluminare în trei puncte etc. De asemenea, fără motiv, au depășit limitele comisiei de evaluare.
Era o perioadă în care filmele pornografice erau foarte comune. Codul de producție de la Hollywood era în flăcări. Toată lumea împingea nivelurile de gust și decență și își încerca norocul. Deep Throat, Debbie Does Dallas și alții.
În același timp, am văzut o mișcare puternică de negru odată cu ascensiunea cinematografiei . Brusc, a apărut o populație care nu fusese luată în considerare înainte.
Desigur, mișcarea pentru drepturile civile a contribuit la asta. Nu doar publicul standard atipic (deseori considerat de Hollywood ca fiind bărbați albi și cel mult femei albe) a cerut un cinema mai realist și mai crud, a existat și un public minoritar care a cerut ceva pentru el însuși.
În timp ce Pacino și De Niro etc. făceau treaba lor (cu propriile lor identități italiene/americane distincte), am văzut vedete precum Richard Roundtree , Fred Williamson , Pam Grier și Jim Killy joacă într-o colecție de filme de exploatare la modă, cool, injectate de atitudine.
Fie că a fost Shaft , Coffy , sau Foxy Brown , aceste filme nu au fost în întregime realiste. Erau, practic, filme de benzi desenate, cu o întorsătură de lămâie.
Într-un fel, aceste filme au fost o modalitate de a ocoli tradiția și chiar Noul Val de la Hollywood (care începuse să prezinte adesea personaje negre ca parte a bandelor criminale etc.)
Ceea ce arată toate acestea este cât de minunat de eclectic a fost cinematografia americană și britanică. În același timp, a existat mult cinema experimental.
Oamenii se îndepărtau de sistemele de studio. Un colectiv de absolvenți de școli de film își făceau propriile filme cu buget redus și găseau trambulie pentru lucrări mai mari (Scorsese, Ferrara, FFC etc.).
Oameni precum Terrence Malick sau John Cassavetes au fost foarte neobișnuiți în abordarea lor stilistică și în modul în care povesteau. Cassavetes, în special, avea un stil foarte brut, dar era un adevăr observator în tot ceea ce făcea.
Cinematograful interesant nu s-a limitat doar la Occident, desigur. Dar, într-o anumită măsură, pur și simplu ajunge din urmă cu ceea ce cinematografia de Est și Europa au făcut deja.
Între timp, în ciuda tensiunilor, cinematografia est-europeană începea să atragă atenția în Statele Unite. De fapt, aprecierea spectatorului față de cinematograful mondial devine din ce în ce mai perceptivă și deschisă la influențe mai largi.
Andrei Tarkovsky a îmbinat frumos arta și estetica fotografiei cu imaginea în mișcare. El a deschis calea unui grup de regizori ruși și est-europeni. Cinematograful francez preluase deja o mare parte a grupului; Cinematografia americană era acum, la sfârșitul anilor 1950, până în anii 1960, în timp ce experimentaliști precum Godard au continuat să lucreze solid.
După cum am spus, aș putea dedica articole întregi fiecărei persoane menționate, dar nu sunt sigur că internetul are capacitatea de stocare pentru divagațiile mele. Polanksi și Milos Forman, menționați mai sus, ar face, de asemenea, saltul din țările lor respective către faima de la Hollywood.
Filmele de groază își revoluționau stilul. Ei preiau semințele cusute de personaje precum Hitchcock sau Michael Powell (Peeping Tom). Abordările stilistice sunt depășite și limitele sunt depășite în ceea ce privește supravegherea video, culorile și editarea.
În cele din urmă, lucrurile devin din ce în ce mai întunecate (satanice), terifiante sau sângeroase. Am avut Exorcistul, Rosemary's Baby, The Omen și apoi filmele Giallo care ne-au venit din Italia . Dario Argento , cu filme de groază electrizante precum Deep Red și Suspiria , o mișcare de regizori creativi, care depășesc limitele și fără bariere.
La sfârșitul anilor '70, John Carpenter a apărut și a rescris regulile slasherului, ceea ce a dus la o serie de imitații și francize de-a lungul anilor '80.
După cum am menționat mai devreme, lucrurile au devenit treptat mai clare spre sfârșitul deceniului, deoarece publicul avea acum nevoie de puțină evadare. Deodată am văzut speranță și bunătate.
Puțină fantezie ici și colo. De la Dirty Harry , Deliverance și Don't Look Now , până la filme precum Rocky, Close Encounters of the Third Kind , Grease și, bineînțeles, Star Wars . Astăzi, realizatorii de film caută din ce în ce mai mult să obțină venituri de box office, mai degrabă decât să provoace conștiința intelectuală sau socială a publicului.
Mai exista un amestec în anii 80, dar peisajul se schimba cu siguranță către fantezie. Fie că este vorba despre povești din afară sau aventuri în spațiu. Realitatea erei post-Nixon-Nam devenea greu de asimilat. Oamenii au vrut să vadă realitatea, dar au și trăit-o. Aveau nevoie de ceva diferit.
La cineva ca Rocky Balboa, de exemplu, a arătat o anumită speranță. Că chiar și pe străzile astea murdare pentru omul de rând, era șansa de a avea ceva mai mare.
lățimea de bandă Flickering Myth cu mult mai mult, o să vă întreb pe amândoi care sunt filmele voastre preferate din anii 70 și, într-adevăr, există o eră mai bună pentru cinema?
Căutați pe Google o listă de filme din anii 70 pentru a vedea care a fost producția remarcabilă (la nivel mondial) a acelui deceniu. Nu cred că o putem depăși.
Puteți găsi, de asemenea, primele 100 de cele mai bune filme filmate în New York din toate perioadele!
Comentariile sunt aprobate înainte de publicare.
